梁铨，一切自在尽兴
梁铨从1965年初次乘船夜泊姑苏，到如今携四十九组作品在安藤忠雄设计的H+美术馆展出，六十年光阴流转，那份沉淀在记忆深处的江南诗意，在此落成、回响。作为中国当代抽象绘画的关键人物，他以极简而诗意的语言，铺陈出一种澄明与平和的精神气息。
H+美术馆全景 第一次与艺术家梁铨接触，是邀请他来参加我们的颁奖活动。他给我的感觉非常谦和，虽遗憾无法到场，却真诚建议我可以去看他在应空间的“共时的山路”展览。这次借H+美术馆新展契机得以深入交流，也让我进行了解这位八旬艺术家的日常：上午会出门散步，回来烧碗面吃，下午休息片刻，再工作一小时，创作于他是与起居呼吸同在的方式。 梁铨休息时，最喜欢听音乐和喝茶。他向我分享了他年轻时喜欢的音乐《老橡树上的黄丝带》，一个关于归家与等待的故事。另一段则是以暗杠的《说书人》为BGM的潮汕工夫茶视频，歌里的市井烟火与江湖味，恰如他偏爱的那种酣畅功夫茶，不为仪式，只求自在。正如戴卓群将梁铨的创作状态描述为一种“起居性艺术”：他所践行的理念，就在行住坐卧之间，就在日常生活的专注当下。家中客厅便是画室，茶桌即是画桌，一方铺着毡垫的桌面上有笔、纸、色、墨，外加一把裁纸刀，工具简单到极致。茶汤滴洒成渍，宣纸碎片在拼贴中生长为画面，一笔一画地拼接、渲染、覆盖，时间在此放缓脚步。乐曲流淌其间，不刻意、不造作、不急不躁。 《功夫茶一》 茶、色、墨、宣纸拼贴 2005，181×98cm 《功夫茶二》 茶、色、墨、宣纸拼贴 2005，181×98cm 天天都是好日子，是他一心向往并践行的禅心空性。窗外摇曳的树影、宠物阿福的爪印、出门在外的所触所见、记忆中浙南山野的青藓古岭，都可能化作画面中的一道笔触、一个形状、一种存在。谈及创作时的心境，他的表述同样朴素：“我现在就是想画就画，如果我不想画，我也逼着自己画一个小时。画一个小时的目的就是让自己的手和脑子保持联系。”这份不带丝毫矫饰的坚持，恰如他每日出门走路的习惯，将艺术化为一种朴素的日常。 《自然而然》之三 色、墨、宣纸拼贴 2013，91×121cm 《自然而然》之四 色、墨、宣纸拼贴 2013，91×121cm H+美术馆的开馆展选择梁铨作为个展艺术家，无疑是贴切的。他的作品秀气精到，淡然悠远，可以自然地融入这座城市、这片水乡。在安藤忠雄以“立体园林”为理念设计的空间中，梁铨的作品被置于三楼，与一楼和二楼那些“喧嚣、有力道”的当代大师作品形成一种刻意的疏离。这正是梁铨的初衷：“我唯一能跟他们那些大师的风格拉开距离的，可能就是相对做一点安静的、沉浸式的氛围。” H+美术馆开馆展 “心游万象·澄明：梁铨个展”，展览现场，2026 梁铨的艺术之路，是一个不断做减法的过程。从早年在浙美附中接受苏派教育，到赴美留学接触西方抽象表现主义，再到归国后逐步确立以宣纸拼贴为核心的创作语言，他的风格经历了从五彩斑斓到空寂淡然的转变。谈及这种转变，梁铨将其归结为年龄的增长与文化视野的开阔。“年龄大了，很多事情越看越淡了。像人说话一样，你话说得多了，最后发现最有力量的是沉默。”他从中国传统文化中汲取养分，尤其是道家“味于淡”的思想，以及禅宗的空灵意境。他向往倪云林那种“萧疏淡远”的格调，那是中国古代高士的精神理想，也是他试图在抽象语言中呈现的意境。 《荷塘I》 色、墨、宣纸拼贴 2016，122×160cm 《荷塘II》 色、墨、宣纸拼贴 2016，122×160cm 但这种“空”并非虚无。梁铨将空白一点点放大，让观众看见其中的秩序与肌理。那些纤细的宣纸条、淡雅的茶墨晕染、克制的拼贴痕迹，共同构建了一个可供心灵栖息的静谧空间。本次展览中，由H+美术馆委任创作的装置作品《江南》无疑是焦点之一。这件作品由梁铨与建筑师刘晓都合作完成，将艺术家对江南的记忆从平面升维至立体空间。作品以黑白灰为主调，圆形、锯齿形的几何形态错落有致，直曲相间的线条仿佛是对水流、田埂、桥梁的浪漫比喻。梁铨说，这是根据展览海报上的那幅作品转化而来，但将彩色转为黑白，“用黑白两种颜色来表现江南的白墙黑瓦和运河这种感觉，想把古苏州和当代苏州做个连接”。 由H+美术馆委任创作的装置作品《江南》 这种连接，在展厅四层得到了更完整的呈现。大型装置《故岭》综合运用木材、镜面、植物、宣纸等媒材，构筑起一座可游可观的“抽象山岭”。镜面折射空间，模糊虚实边界，延续了梁铨笔下“岭”的意象。这个系列源于艺术家对20世纪60年代末在浙江丽水山区生活的追忆，那些年他在山间行走，穿越无尽岭野，这段记忆在数十年后化为青绿色的宣纸拼贴 :“渐渐垂老，时常想起年轻时走的一条绵绵山路，九小时八十里。通向家人，通向幸福。半山腰的红土羊肠小径，两岸青山夹着清澈的溪流。顺水漂泊的木筏，草篷飘出炊烟，竹篙敲击河床的鹅卵石清脆的响声在山谷中回荡。人迹稀少，偶尔碰上行人会很亲切地点个头，樵夫、农人、水文站工作人员……最无奈的是面对无人的渡口，只能坐等会撑船的农人。时间凝固着，唯有山野里的花开花落。并行的外面世界对这一切一无所知。”《沙湾》《大均》《惠明》《甘霖》这些作品，共同构成一幅关于行走与记忆的视觉地图。穿行于展厅，作品与空间形成的静谧气场，让人不禁好奇创作者本人与这里的因缘。 H+美术馆开馆展 “心游万象·澄明：梁铨个展”，展览现场，2026 摄影：周赛兰 对话 梁铨 你的展览跟H+美术馆的建筑有没有碰撞或契合的部分？ 在展览中，有很多幅作品像是《寒山寺》《江南》《沙湾》，都是跟你在江南的这种地理或者记忆有关，当时触发你去创作的动机是什么？ 我很喜欢那些现代流行的、年轻化的、未完成的、有一些表现力的作品。但是因为我也尝试过，画了，但毕竟性格完全不一样，所以我放弃了。还是走这条自己比较能控制的、委婉的路吧。 《寒山寺》 色、墨、宣纸拼贴 2020，85×45cm 现在信息很多元、频繁、复杂。你所追求的“空”和“淡”，在现在来看，是否也就是你所表达的态度和立场？ 四层《江南》那件作品，是你跟建筑师刘晓都合作的。当时我看《江南》其实还是很特别的，除了材质上，包括整个视觉感受上，跟其他作品不太一样。我感觉很像一个棋盘，也是可游可观的。这件作品有没有特别的创作体验？ 当时观看的时候，发现展厅地毯都是作品，感觉做得很好。 这次展览里还有你和苏州绣娘合作的作品。 我以前也尝试过类似的。在东莞，我试过把我的作品编成地毯，但是效果不怎么样。因为编地毯的线颜色很简单，他们也不肯花钱去染更多各种各样的颜色。相比之下，苏州这次让我感动的是，绣娘把红、蓝、绿各种线染了很多复杂的颜色。最后呈现出来的效果肯定不一样。你有二十种颜色的线和有六十种颜色的线，绣出来的作品是不一样的。东莞那个厂是偏工业的，做旅馆的地毯和壁挂，是商业生产。而苏州这个绣娘是做高级工艺品的，代表的是传统。 由此我就想到，像刺绣这个事情，也不是什么高科技吧？应该是传统艺术，按现在的话讲是低科技。但是低科技要搞得好，实际上是靠心。你心里有这种艺术了，用心去做，那么呈现出来的效果可以很好。它要靠脑，还要靠心。这种心是对艺术的理解、对专业的理解，你就可以把事情做好。 一场苏绣的当代实践 用茶作为创作的底色，是因为很喜欢茶文化吗？ 当时大家看了以后都指出，那张画上浓郁的部分一定是咖啡，淡的部分一定是茶。我跟他们说完全相反，浓郁的部分是茶，淡的部分反而是咖啡。他们都很奇怪，认为咖啡应该比茶浓郁。其实，当时点上去的时候，咖啡和茶颜色都差不多，变化不大。因为我当时就是用原始的茶加了白胶，直接点在纸上的，过了二十多年，这些茶和空气氧化了，所以茶的颜色反而变得浓重起来。可能是什么微生物或者活性更重的原因，所以茶反而更浓。所以在H+你看这些作品，重的部分是茶，淡的部分反而是咖啡。 我做了一阵之后就不做了，因为我也不能总炒冷饭。但是过了一阵，发现有很多同行、一些朋友也开始用茶做作品了，他们也觉得这是一个很好的媒介，也有些说法。结果我想想，既然同行也肯定，那我为什么放弃呢？我可以再做啊。所以十几年前又做了一些茶的东西。做起来比较麻烦，家里地方不大，要把纸摊开来，一边烧水一边调胶，把茶和胶混在一起，在纸上一点一点做。整个房间的纸要铺开，有点复杂，所以我一般做一阵子就停下来。 原以为你在生活中会讲究茶道或仪式。 了解到你有经常改画的习惯。 梁铨：这对我来说是一个很享受的过程。当然，很多时候改着改着就把画改坏了，确实挺伤心的。但最近有个年轻人跟我说了一句话，我觉得很有道理。他说：“改坏了也没关系，你留下了这么多时间的痕迹，这张画依然是成立的。”以前我遇到改坏的作品，通常会直接撕掉。年轻朋友们劝我别撕，说这些痕迹本身也很可贵。我想了想，确实如此。现在我索性放开了，反正我喜欢改画，那就每张都改。比如最近，有一张画从青岛的一个水墨展退回来，我当天拿回家一看，因为好久没见，一下子发现它有不少缺点，马上就开始修改，这对我来说是件很开心的事。 出品人：邢丽 监制：周樱 内容策划：孙洁 撰文：Jessie 新媒体监制：Lenny 新媒体视觉：Andrew 新媒体执行：Shuzhen 图片来源：H+美术馆提供
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