新年，我们选择走进三位“慢行者”的世界：艺术家沈小彤、陈英杰、赵赵。他们用画笔对抗同质化的洪流，用作品践行一场漫长的自我奔赴。他们的故事告诉我们：真正的“新”，未必是颠覆外界，而是敢于守护内心那片独特的天地，并以此为原点，击碎边界，让新的可能生长出来。年初，愿他们的“破界之力”，也能给你一份安静的勇气。

三位艺术家的创作围绕自然哲学、东方文化、当代意识及个体经验展开，重塑艺术本体论在当代语境中的可能性。以独特的意象诠释东方哲学的核心概念，在传统与现代之间搭建出新的视觉叙事。我们同时发现，这种“破界”的勇气正从画布蔓延到更广阔的生活场域。如今，越来越多的品牌也开始尝试更有深度的跨界。它们不再满足于简单的联名，而是潜入文化深处，共创真实的体验。它们以破界之力前行，透出艺术的温度，也让美学的感知落入日常的土壤。这一切，最终都是为了简单的愿景：让伴随我们生活的物品与空间不止于功能，更能承载情感与故事，让每一天的日常多了一些诗意的想象。新年伊始，万物待新。或许正是时候，让我们与这些“破界者”一同，去发现、体验生活中那些崭新的、更具深度的可能。

在沈小彤身上，“破界”早已内化为一种生存与创作的常态。他始终以一种跳脱固有框架、以新的视角重新认知世界与自身的方式前行，这不仅是他的思维方式，更是他践行的道路。对他而言，艺术家的“破界”不是追逐外部风潮，而是在时代整体的边界松动与秩序变形中，保持内在的清醒与敏感，并主动投身其中，用持续的创作来重写自身与世界的连接方式。

回望个人经历，他最早的“破界”记忆追溯到20世纪90年代。那时他与朋友组建摇滚乐队，只是出于对未知的强烈好奇，想尝试另一种艺术语言。虽然彼时并未真正理解“破界”的含义，但正是这种本能的冲动，后来成为贯穿他创作态度的核心力量。无论是阅读古籍、写作，还是绘画，看似跨越不同门类，却都指向同一内在动因：寻找新的方式去理解世界，并以艺术回应这种理解。他常说，人生中每一个看似与本职无关、却被认真完成的行为，都具备跨界的潜质；而跨界累积到一定程度，便会成为破界。

在交流过程中，可以感受到他对东西文化的认知已经内化成一种深层结构，不是身份认同的标签，而是生命底部的纹理。他认为，中国古典文人精神从未真正失落。只要你愿意靠近，它依旧鲜活、可亲，并以一种温厚的方式照亮当下。这种文人精神并非符号化的审美趣味，而是一种“生命哲学”，既关乎看世界的方式，也关乎如何与自己相处。

在他看来，20世纪初东西方艺术曾短暂交汇：我们走向写实，他们走向抽象。此后的百年历史，呈现出螺旋式的往复。形式的变革固然重要，但更深的是文化内部对时间、生命与自然的不同理解。而这些理解只有在长时段的历史中才能被验证。今天谈论文人精神，不是为了怀旧，而是为了让这份精神在新的语境中重新生长，成为一种温厚、稳定、能够安放心性的文化力量。

沈小彤对象形文字怀有特别深的情感。他相信，象形文字为中华文化奠定了一种独特的“整体性审美结构”，每一个字都是一幅凝练的图画，兼具节奏、象征与历史。近三百年来的变迁，使这种本质性的美感一度被遮蔽，但如今，新的文化语境正在重新唤醒它。在他的绘画中，构图与笔触如同写字，以一种内在秩序组织画面与意境。而他始终坚持的，只是一颗单纯的“艺术之心”。

在最新个展中，他希望观众能从作品中获得一种温和、松弛、可在日常生活中沉淀下来的舒适感。这种舒适不是轻佻的愉悦，而是一种在都市生活中格外珍贵的安稳能量。古人描绘苹果、花朵、竹林，是因为这些物象能带来内心的静定；而在今天快速紧绷的语境中，他相信中国重新需要这样的图像语言。展览以淡定、平衡而富含精神性的视觉场景，为观者提供一处可安放心绪的空间，让人在艺术面前获得片刻的呼吸。

沈小彤：小时候学习国画时，我描摹的对象大多是这类题材。这并非着迷或不着迷的问题，而是一种中国式的重要艺术叙事方式，流淌在血脉中的传统。经过多年生活的洗礼，我只是再次回到这些一直存在的题材上。至于当代化表达的可能性，往往依赖每位艺术家的秉性和天赋，而其界定者通常是观众的反应，更是后来者的梳理与理解。

沈小彤：我画画很慢，每一个步骤都有其独特的意义。如果没有光，一切都无法被感知。西方有种说法：所有思想都从黑暗中跳出来，而中国有类似的表达：“阳光下无咸淡”，意思是你需要仔细观察，才能真正理解差异。这便是东西方理解世界方式的差别。在创作中，我每幅作品都花费较长时间。这里的“铺陈”有双重含义：在文学中，无论诗词还是散文，都需持续铺陈，这一过程实际上是整理与清理，帮助理解词与词之间的关系，以及字与字之间的形态是否协调、美观。这种通过陈列得出的美感，在象形文字的世界中尤为重要。

2025年6月，陈英杰做了一个大胆的决定：将工作室搬进和美术馆，以一个为期三个月、全程对公众开放的驻留项目作为展览本身。这颠覆了传统展览展示“已完成”作品的模式，将“未完成”和“正在进行时”作为核心。项目中最具冲击力的场景，是他驾驶改装过的竞速卡丁车进行绘画。引擎的咆哮与汽油味打破了美术馆的沉静，轮胎接触不同干燥程度的颜料，产生奇妙的笔触，创作被推至速度与失控的边缘。

在项目临近尾声时，他再次突破，尝试“音画共振”。他将巨幅画布调整成“鼓面”，在底部放置音响装置，让低频声波影响喷漆颗粒的轨迹，实现了一场声音与视觉的即兴共创。

陈英杰的创作常常尺幅巨大，这也许得益于他独特的借力哲学。他并非单纯依靠个人体能，而是擅长与各种“不可控”因素协作。

在香格里拉创作时，他特意选择傍晚时分，迎着风创作，让风成为“另一只手”，引导喷漆颗粒的飘散轨迹。他会随手拿起石头或树枝作为绘画工具，将当时当地的阳光、温度、风力都转化为创作的参与者。这种哲学延伸到了机械，卡丁车创作正是其极致体现。通过驾驶的体感，将机械运动的速度、摩擦与失控反馈到创作中。他将赛车那种接近临界点的状态，与绘画中对直觉和失控边缘的探索联系起来。这模糊了大尺幅创作对个人体能的挑战，实现了一种“四两拨千斤”的表达。

陈英杰是品牌青睐的合作者，关键在于寻找品牌理念与个人艺术表达的一致性。2025年，他与梅赛德斯-奔驰合作主题“格栅呼吸，山峦流变”，将他对自然能量的理解融入汽车设计美学。他将这些合作比喻为一个“镜头”，有时可以借此更了解自己，学习用不同的方式诠释自我。

尽管游走世界，陈英杰的艺术根系始终深扎于家乡顺德。他曾在创作中特意选择佛山醒狮这一元素，希望让更多人认识家乡文化。但陈英杰的破界实验远未完结。他渴望尝试在无重力的环境中创作，那将是对绘画行为本质的又一次彻底拷问。艺术于他，早已是呼吸般的本能。在这条自我突破的长路上，他仍将带着顺德赋予他的文化基因，以身体为尺，继续丈量并打破那些可见与不可见的边界。

陈英杰：能在严谨的美术馆内把驾驶的行为变成创作让我非常激动——颜料飞溅，轮胎失控。这次与过去拿着画笔在画布上有计划地进行非常不一样，这是把创作推到失控的边缘，通过驾驶的体感会一比一反馈到身体里。初始的颜料接触轮胎减弱了摩擦，产生许多奇妙的笔触，接近干燥的时候又增加了抓地力，整个创作的过程就像进行一场雨天的自我角逐比赛，在地面留下的作品完全靠直觉来进行。我非常享受这种以身体连接机械运动的方式进行创作，让作品的诞生变得更具冒险和戏剧性。

赵赵的“破界”体现在他对艺术机制的清醒认知与主动驾驭上。他既是“穹究堂”的创始人，潜心研究古代器物，也与品牌进行深度观念合作，这二者在他身上并不矛盾。他从不把商业合作视为妥协，而是当作另一种“破界”实验场，在更广阔世界里引发共鸣。 比如说他为路易威登设计的联名作品，这种在学术与商业、小众与大众之间自由穿行的能力，正是当代艺术家对于界的突破与跨越。

在赵赵的创作脉络中，一直存在着一种双向的时间观：既向远古溯源，也向未来发问。他在刚刚结束的个展“远古”中，将这一特质推向了一种更静谧也更纯粹的境地。艺术家以太阳为媒介，用凸透镜让棉花自燃，让火在风中燃烧。这一刻，物质退去，灵性升起；人退去，天登场。赵赵以最朴素的方式，让自然通过艺术显现自身，让艺术回归到最本真的状态。

如果说“远古”是在荒野与天际之间叩问文明的起源，那么赵赵全新个展“玉”则是对文明与时间的一次深邃而诗意的凝视。从2015年将温润和田玉与工业打火机并置的《玉——打火机》，到以耳机形态重塑玉环、沟通古今声息的雕塑《耳机》，再到 2025年在《问玉》中援引孔子与子贡的对话、叩问玉德之源，以及作品《昆仑》将视线投向神话源头，在写实与写意之间，重构“玉出昆仑”所象征的那个连接天地的缥缈仙境，这十年间的创作，如一条连贯的线索，串联起他对同一物质在不同时空语境下意义的不断追索。十年创作，看似个人的艺术年表，实则被他主动置入中华文明八千年的时间河床之上，朴素至极，却又诗意弥漫。它不试图解释什么，只是呈现：呈现物的本身，呈现时间在物上流过之后留下的沉默，以及这种沉默温润而坚韧的精神脉络在今天引发的、新的回响。

这种对“物”的深沉凝视，始终贯穿他的创作。他擅长赋予寻常物质以异常的精神重量。最典型的莫过于“棉花”。在他恢宏的装置《中国花园》中，温暖的、曾是帝国经济与殖民历史焦点的棉花，被转化为冰冷、秩序森严的几何迷宫。材料的文化属性与物理体验之间产生的悖论，恰恰揭示了历史记忆的复杂层次与现实处境的隐性结构。

同样，在《弥留》中，马路上的动物皮毛痕迹被铸成坚硬金属，永恒地镶嵌于沥青之中：卑微生命的消逝以一种不朽的“伤痕”形态被铭刻。物质在这里经历了形态与意义的双重转译，成为承载历史、情感与批判的复合载体。而在“远古”中，这种转译变得更为内敛，它不再强调戏剧性的对抗，而是展现一种历经时间冲刷后的、本质性的共存。

赵赵为路易威登设计的联名作品，坚持注入其作品《弥留》中关于生命与奢侈的辩证思考，迫使时尚符号承载哲学诘问。这背后，是他对自身艺术系统强大而自信的坚守。他将商业平台视为一个放大器，用以检验并传播其核心观念能否穿透不同的文化语境。这种在学术与商业、小众与大众之间自由穿行的能力，正是当代艺术家极少具备的“综合智力”的体现。

因此，赵赵的艺术价值不仅在于视觉的创造，更在于方法论的提供。从《塔克拉玛干计划》的社会性行动，到《中国花园》的历史隐喻，再到“远古”展览中指向本源的静谧诗意，他示范了一种如何将个体经验、传统文化与全球议题进行精密焊接的工作模型。他的作品像一个复杂的能量交换场，让远古的智慧、个人的伤痛、物质的沉默历史以及当代的喧嚣在此交汇、转化。他破开的每一条界，都非终点，而是一条新的通道，引向更开阔、更融合的理解之地——关于文明，也关于我们自身在这个时代的坐标。